L’uomo che non c’era | di Joel Coen ed Ethan Coen

analisi di eventi ed esistenti e linguaggio audiovisivo

Usa | 2001

Avere per essere? Questo è il dilemma
a cura di Roberto Bernabò

Titolo italiano: L’uomo che non c’era
Titolo originale: The Man Who wasn’t There
Nazione: Usa
Durata: 1h e 56′
Genere: Drammatico
Regia: Joel Coen ed Ethan Coen
Anno: 2001
Attori Protagonisti: Frances McDormand (Doris Crane) Billy Thornton (Ed Crane)
Cast: Adam Alexi-Malle, Katherine Borowitz (Ann Brewster), James Gandolfini (Big Dave Brewster), Michael Badalucco (Frank Raffo), Scarlett Johansson (Rachel “Birdy” Abundas)
Musiche: Carter Burwell
Sceneggiatura: Ethan Coen e Joel Coen
Fotografia: Roger Deakins
Scenografia: Dennis Gassner
Montaggio: Ethan Coen e Tricia Cooke

Essere o non essere? O meglio avere per essere? Sembra questo l’interrogativo vagamente shakespeariano, ma, forse, più attinente alle ricerche di Erich Fromm, posto a fondamento del tema sviluppato dai fratelli Coen nel film: L’uomo che non c’era”.

La storia, infatti, appare sospesa in una sorta di conflitto etico tra l’essere e l’avere.

Ciò che “muove” all’azione il protagonista è, a guardare bene, si un desiderio di arricchimento economico, e di possesso, ma agito, più che altro, in funzione di un bisogno spirituale di autorealizzazione.

Siamo sul finire degli anni ‘40, che segnano la nascita ed il fiorire del sistema capitalistico, e del consumismo americano, e non è certo un tema che ha a che fare con l’interrogativo della tragedia di Wiliam Shakespeare, ad ispirare il racconto, non ci sono, infatti, paternità ingombranti da affrontare.

Dunque l’ipotesi amletica sembra persistere solo nel giuoco del dualismo narrativo.

La scelta degli esistenti, ancora una volta, definisce il carattere distintivo di un cinema assolutamente intelligente, illuminato e decisamente proiettato verso latitudini inesplorate, dove sono banditi i luoghi comuni, dove lo stereotipo viene provocato dagli eventi, rimesso in discussione, anche quando è cercato. (Come nell’esemplare personaggio dell’avvocato).

In un sottile giuoco di ambivalenze, di falsi movimenti, di cose che appaiono essere quelle che non sono (più guardi una cosa, meno ne comprendi il significato, in quanto il semplice guardare cambia il fatto, secondo “il principio d’indeterminazione di Heisenberg” citato nel film), il conflitto sembra essere agito prevalentemente mediante azioni poste sul confine tra bene e male, tra giusto e sbagliato, tra desiderato e non desiderato, tra amato e tradito, tra previsto ed imprevisto e, come abbiamo gia avuto modo di dire, tra avere ed essere.

La storia personale del protagonista, come quella degli altri personaggi che danno vita al film, risultano essere un’incredibile ed articolato equilibrismo, sul continuum dei valori citati.

E’ più un collettivo conflitto interiore, quello che è narrato all’interno dell’uomo che non c’era, e, come tale, non poteva che essere un conflitto con l’anima, con il desiderio, con le aspirazioni.

Tra ciò che siamo, e ciò che avremmo voluto essere.

Ma è anche un conflitto sviluppato su di un piano sociale tra il protagonista, povero, ed alla ricerca di un riscatto, ed il suo amico antagonista, viceversa ricco e realizzato.

Un conflitto di aspirazione sociale, costruito dalla pressione di una condizione d’inferiorità di ruolo, e di sudditanza psicologica (il tradimento della moglie), ed economica (la diversa posizione sociale).

Ed è anche un conflitto agito in chiave interpersonale, a causa delle diverse prospettive di vita dei personaggi, che sviluppano una singolare girandola di sentimenti sbagliati, in cui gli oggetti dell’amore tendono a sovrapporsi, a sbinarsi, fino a confondersi … in un complesso avvicendarsi di eventi e mutamenti.

Le cose, talvolta, sembrano andare verso la direzione desiderata, ma attraverso perifrasi narrative incredibilmente complesse ed esilaranti, e comiche, e grottesche, e beffarde, che filtrano la narrazione, sublimandola in un clima d’ambientazione quasi surreale, e misticamente poetico e catarticamente drammatico.

Infinite sono le citazioni ed i riferimenti dal tema etico, appunto, a quello teologico, a quello sociale, a quello scientifico, come infiniti sono anche i riferimenti cinematografici (come ad esempio la creazione di straordinari momenti di suspance decisamente ispirati al genio di Alfred Joseph Hitchcock, divenuto celebre negli Stati Uniti proprio in quegli anni grazie al primo film girato per Hollywood “Rebecca la prima moglie”, che gli valse l’Oscar).

A suggello della scelta della contrapposizione dualistica della struttura narrativa, la pellicola risulta essere impressionata, giustamente, in bianco e nero, in una sapiente scelta di coerenza cromatica, e non solo di ortodossia verso le uniche possibilità espressive del cinema sviluppatosi negli anni della narrazione.

La direzione che prende la trama sfugge ad ogni controllo, e cattura lo spettatore in un mirabile crescendo di climax, che si avventura nel grottesco, ed esplora, profondamente, i limiti e le assurdità della condizione terrena, vissuta all’interno del sistema capitalistico (persino il racconto e le sue, talvolta, contorte peregrinazioni risulteranno, essere, nel tipico stile beffardamente provocatorio dei fratelli Coen, un prodotto di consumo in quanto pubblicate e vendute da una rivista per soli uomini), a cui il film impietosamente s’ispira, quasi come nella realizzazione di un atto di forte denuncia.

In un momento storico, peraltro, in cui le rivendicazioni dei terroristi del mondo islamico sembrano, in parte, confermare le demoniache pulsioni del film.

Avere per essere è dunque la sintesi estrema ed implacabile <dell’etica del capitale secondo , che svilisce l’uomo in un dilemma che nulla ha a che vedere con l’intima essenza della sua natura.

Un’assurda e faticosa ricerca in un mondo governato dal potere dei soldi e dalle gerarchie (l’uomo che non c’era rappresenta appunto la visualizzazione dell’ultimo gradino delle scala gerarchica sociale e quindi costretto alla discesa morale per l’ascesa materiale) in cui solo la catartica morte del protagonista sembra ricongiungere l’individuo alla Verità.

Eccezionali risultano le interpretazioni dei protagonisti e quella di Billy Bon Thornton in particolare che riesce a conferire al personaggio del protagonista Ed Crane) una personalità algida, distaccata e curiosamente rassegnata di fronte all’evolversi degli eventi e che riesce a dare vita, in un ossimoro d’immagine, alle sembianze di un uomo che appunto non c’è (si allude forse all’uomo americano?)

Il livello di perfezione raggiunto dalle capacità registiche dei fratelli Coen risultano, nel film, talvolta sconcertanti.

La cura nel ricreare le atmosfere non solo di vita e d’ambientazione scenografica, ma anche di stile narrativo filmico degli anni ‘40, sono, a nostro avviso, un capolavoro in sé.

Degno di annotazione cinephìle il cameo d’esordio di un’attrice che si saprà far valere ad Holliwood: è Scarlett Johansson alias l’adolescente pianista non dotata: Rachel “Birdy” Abundas, già convinecentissima attrice, in questa sua prima apparizione sul grande schermo.

Ci preme da ultimo sottolineare anche l’utilizzo del “Chiaro di Luna” di Ludwig van Beethoven le cui sinfonie, secondo Arthur Schopenauer, racchiudono tutto lo spettro dei sentimenti e dei desideri umani.

Dopo aver visto questo film, come non essere d’accordo con lui?

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